Las impresiones artísticas oficiales de GOD OF WAR RAGNARÖK de calidad de museo ya están disponibles en la galería de arte de última generación Cook and Becker.

Trabajando en estrecha colaboración con Sony Santa Monica Studio, y siguiendo de cerca el lanzamiento del juego, la galería de arte next-gen Cook and Becker se enorgullece de presentar hoy su colección oficial de impresiones artísticas de GOD OF WAR RAGNARÖK.

La colección de impresiones artísticas consta de tres obras de arte oficiales de GOD OF WAR RAGNARÖK seleccionadas por Sony Santa Monica Studio y Cook and Becker. Los giclees son ediciones limitadas de calidad museística, utilizando únicamente papel de la mejor calidad y tintas de archivo para garantizar su longevidad. Todas las obras están disponibles en todo el mundo para su compra sin marco o con un marco o acabado de alta calidad.

Con el tiempo se irán añadiendo más grabados a la colección.

Acerca de Cook and Becker

Cook and Becker también se ha convertido en un sello de calidad. Seguimos esforzándonos por mejorar la presentación y (re)producción de arte digital y mejorado digitalmente. Por ello, colaboramos estrechamente con los artistas para producir su arte a un nivel museístico, de modo que podamos ofrecer a los aficionados y coleccionistas grabados, libros y objetos de arte que duren toda la vida y conserven su valor.

Reviva la magia de Woodstock con Bill Eppridge

De un modo u otro, todos hemos oído hablar de los embriagadores días de Woodstock, o de la Feria de Música y Arte de Woodstock, como se la conocía más formalmente.

Este festival musical, que se celebraba en una granja lechera de las montañas Catskill, al sur del estado de Nueva York, estaba programado del 15 al 17 de agosto, pero se prolongó hasta el lunes 18 de agosto debido a su popularidad.

Anunciado como «Una exposición acuariana: 3 días de paz y música«, se celebró en la ciudad de Bethel, que en realidad está a 43 millas al suroeste de Woodstock. Considerado como un momento crucial en la historia de la música, en total actuaron 32 artistas durante el largo fin de semana, entre ellos Jimi Hendrix, The Who y Santana. También se convirtió en un punto definitorio de la contracultura de la década de 1960, un fenómeno cultural antisistema que se encendió por los tumultuosos acontecimientos que Estados Unidos había vivido el año anterior.

Se calcula que unos 400.000 jóvenes acudieron y se adentraron en un fin de semana de música alimentado por el sexo, las drogas y, por supuesto, el rock and roll. La afluencia fue inesperada; se vendieron unas 186.000 entradas, por lo que los promotores pensaban que asistirían unas 200.000 personas.

Pero el viernes por la noche, las endebles vallas y las barreras de las entradas se derrumbaron y los organizadores anunciaron que el festival era gratuito, lo que hizo que miles de personas más se dirigieran al concierto, lo que provocó atascos de ocho kilómetros.

Decenas de fotógrafos se dirigieron a capturar este trascendental acontecimiento en película y uno de ellos fue Bill Eppridge, fotoperiodista de la revista Life en aquella época. Eppridge se convirtió en un historiador visual durante su carrera, capturando imágenes de políticos, artistas, figuras del deporte y activistas que se convirtieron en reliquias de los momentos más trágicos y alegres de la historia.

Las imágenes del fotógrafo capturan a los niños de las flores, los campos embarrados, los nadadores desnudos y la frivolidad general del festival a través de una lente de color solar, lo que no hace sino aumentar la calidad onírica de la serie. La belleza de la fotografía de Eppridge es el equilibrio entre las amplias tomas de la multitud, que proporcionan una sensación de escala, y los momentos más personales entre una o dos personas, que permiten al espectador sentir que ha saltado la valla y se ha unido a ella. Esto demuestra la habilidad del fotógrafo para utilizar la narrativa de Woodstock para contar otras historias, a menudo más pequeñas, dentro de la misma serie.

Echa un vistazo a más imágenes de Eppridge a continuación para recuperar la diversión sin prisas y sin complejos del verano de 1969:

A través de sus imágenes y de la mirada alternativa que proporcionan tras sus objetivos, Tripod City consigue un equilibrio entre lo cándido y lo sincero, ya sea en los retratos de Ghana, y ahora en un retrato veraz de México que muestra la calidez de una población.

Para el trío de fotógrafos que componen el colectivo Tripod City, un proyecto comienza con la búsqueda de un lugar «con una fuerte identidad cultural o lugares muy estereotipados». En consecuencia, los estudios fotográficos de Chris Lee, Charlie Kwai y Paul Storrie, ofrecen una representación «alternativa, pero honesta» de un lugar, mostrando los beneficios de tener tres pares de ojos en un país en lugar de uno solo.

Sweet Dreams es la reciente colección de fotografías de Tripod City, reunidas en un libro para el que están haciendo una campaña en Kickstarter para convertirlo en una realidad impresa. A continuación, nos ponemos al día con Chris, Charlie y Paul para hablar de sus objetivos, pensamientos y percepciones de la última aventura mundial del colectivo.

¿Por qué se eligió México como próximo destino de Tripod City?

En una entrevista con itsnicethat.com, el equipo de Tripod City mencionó una serie de datos interesantes.

Una de las principales razones por las que se eligió México es que ha tenido su cuota de problemas en los últimos tiempos y, por desgracia, la mayoría de las veces los medios de comunicación se centran en ello. Su intención era nivelar el campo de juego, y mostrar que hay mucho más en este vasto país que las ideas erróneas que a menudo se ponen sobre él.

Tripod City pretende crear una perspectiva alternativa a lo que todo el mundo cree. Los conceptos erróneos tienden a eclipsar la verdad, y México en particular es definitivamente una víctima con todo lo que está sucediendo en los Estados Unidos en este momento. Presentar una historia alternativa era emocionante, era el candidato perfecto para el próximo proyecto.

Tras haber visitado Asia y África, América Latina era una opción lógica para el equipo. México, es un país en rápido desarrollo del que se ha hablado mucho recientemente a la luz del ascenso de Trump al poder. El joven equipo de fotógrafos quería ser testigo del país de primera mano y representar a México como el lugar audaz y hermoso que es a través de la fotografía de la gente. La idea de lo que separa a las diferentes culturas entre sí es lo que les atrae como fotógrafos a la calle.

¿Cuál era su percepción de México antes de este viaje y cuál es ahora?

El equipo es muy claro al comentar que seguramente ha sido diferente a lo que esperaban. Comentan que no hay ninguna investigación o planificación que pueda hacerse para anticipar la experiencia de un lugar. Una parte importante del proyecto es no ir a un lugar con ideas preconcebidas. Afirman sentirse conmovidos por la compasión y el respeto por los demás que se manifiesta en todos los lugares que visitaron.

Para Paul, otro miembro del equipo, era su primera vez en México, su percepción se basaba sólo en lo que había visto de segunda mano, por lo que era bastante limitada. Pero después de vivirlo en primera persona, lo que más le llamó la atención fue la calidez de la gente. Gente abierta, sentimental, extremadamente acogedora y sincera.

Charlie comenta que sus percepciones se formaron con información de segunda mano. Se dio cuenta muy pronto de que México es mucho más que estereotipos. Tratar de descubrir la verdad es una experiencia de valor incalculable, y eso es lo que pretende Tripod City.

¿Cuáles eran sus objetivos personales para el rodaje?

En cada proyecto, Tripod City se centra en fotografiar a la gente en la mayor parte posible del país. Su principal objetivo es asegurarse de que su cobertura no sea demasiado restringida, y que su tiempo en las diferentes zonas esté cuidadosamente planificado.

Al ser la Ciudad de México tan grande, sabían que sería un reto en solitario, por lo que dedicaron tiempo a familiarizarse con las distintas zonas. Estas son las ventajas de trabajar en equipo, ya que se amplía la cobertura, evitando una fotografía sesgada e inhibida desde un único punto de vista.

Una vez establecidos los temas centrales del proyecto, lo más importante era encontrar las emociones de las personas que parecían más representativas: ternura, vulnerabilidad, anhelo y nostalgia. Su tarea es captar estos sentimientos y momentos de forma honesta y sensible.

El objetivo es siempre intentar hacer un trabajo positivo y creativo que inspire nuevas ideas sobre lugares y personas, y crear un trabajo que tenga un propósito.

¿Cómo fue la interacción con los sujetos?

Encontrar la manera de fotografiar sin comprometerme demasiado en un entorno desconocido es el mayor reto. La mayor parte del tiempo lo pasaron familiarizándose con la cultura y la gente con la que interactúan, y como estos viajes no pueden durar siempre, ese proceso se acelera. La experiencia es diferente en cada lugar, pero en México se respiraba mucha tranquilidad allá donde iban, lo que hizo que fuera un proyecto divertido de crear.

El enfoque general es evitar cualquier interacción con la gente hasta que haya tomado la fotografía. De este modo, se puede estar seguro de que el momento es auténtico y de que la persona sigue siendo ella misma, sin la cohibición que suele producir la conciencia de la cámara.

Chris Lee

Por suerte, Paul, miembro de Tripod City, sabe suficiente español para mantener conversaciones básicas con la gente, lo que fue muy importante. No sólo porque podía explicar a alguien quién era y por qué quería hacer una foto, sino porque rápidamente se hizo una idea de cómo era la gente, de sus sensibilidades y rasgos colectivos. Lo primero que le llamó la atención fue lo simpática, lo cálida y divertida que era la gente. Debajo de eso veía mucha franqueza, expresividad, corazones en las mangas.

No creo que me hubiera formado la misma interpretación de la gente y del lugar sin hablar con las personas que lo hicieron.

Paul Storrie

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