Anime, la recomendación de la semana: Metrópolis – la olvidada obra maestra de MadHouse

Metrópolis de 2001 podría haber sido una de las mejores obras maestras del anime y, en muchos aspectos, todavía se mantiene como una maravilla animada.

Producida por Studio Madhouse durante un periodo de cinco años, con un presupuesto informado de mil millones de yenes, el proyecto fue dirigido por dos titanes del anime: el director y cofundador de Madhouse, Rintaro, y el guionista Katsuhiro Otomo, el autor intelectual detrás de la histórica película de manga y anime, Akira.

La película fue adaptada del manga del mismo nombre de Osamu Tezuka de 1949. Si bien Tezuka nunca había visto la película muda original de 1927 de Fritz Lang cuando creó su manga, se inspiró en las imágenes publicitarias de Brigitte Helm como The Machine Man.

El manga Metropolis se convertiría en uno de sus primeros trabajos realmente populares, en el que exploraría las facetas de la humanidad a través de una distopía tecnocrática. Refinaría estos conceptos en su serie seminal Astro Boy, solo unos años después. Pero antes de entrar en el meollo de la obra, resumiremos brevemente la historia tal como se presenta en la película.

La película de 2001 transcurre en una enorme ciudad de varios niveles, simplemente llamada Metrópolis, donde los humanos y los robots existen en constante agitación. Llegamos en la víspera de un festival masivo de una semana en toda la ciudad que celebra la finalización del Ziggurat, un rascacielos de escala sin precedentes que luego se compara con la infame Torre de Babel del Génesis.

El proyecto es una creación de Duke Red, el más rico de los ciudadanos de Metropolis y su dictador no oficial. Mientras afirma que Metropolis extenderá su influencia por todo el mundo con el Ziggurat como su principal instigador, y mientras los dignatarios y los agentes de poder compiten por el dominio, Duke Red también orquesta la violencia anti-robot, a través de su sombrío brazo paramilitar, los Marduks. Estos radicales están liderados por el hijo adoptivo de Red, Rock, un fanático cuya devoción por su padre vuelto en una adoración obsesiva. Esta faceta de su personalidad solo es superada por su propia voluntad de asesinar a cualquiera que ponga en peligro su lugar al lado del duque.

Cuando comienzan las celebraciones, el detective privado Shunsaku Ban y su sobrino Kenichi Shikishima llegan desde Japón para detener al Dr. Laughton, un científico buscado por violaciones de derechos humanos. Mientras trabaja con la policía local y sus robots centinelas, Ban descubre que Duke Red contrató en secreto a Laughton para construir una nueva generación de androides, que se usaría como unidad de control central para una superarma que acabaría con el mundo escondida en la estructura del Ziggurat, pero estos planes se dejan de lado cuando Rock deja que sus celos y paranoia se apoderen de él. Le dispara a Laughton y destruye su laboratorio, supuestamente con el nuevo androide adentro. Pero el androide, cariñosamente llamado Tima, logra escapar gracias a Kenichi y un poco de suerte.

Mientras corren por sus vidas, Kenichi y Tima se convierten en invitados inesperados de Atlas y sus rebeldes mientras Atlas prepara el escenario para una protesta masiva, tratando de llamar la atención sobre la disparidad severa y generalizada entre las clases de Metrópolis. Así comienza un vertiginoso juego del gato y el ratón, con la mayoría de los jugadores sin darse cuenta de las intenciones de los demás, ya que sus caminos los llevan a todos inexorablemente hacia un enfrentamiento culminante, poniendo en juego el futuro de la humanidad.

A partir de cierta información básica, la narrativa de la película se modificó drásticamente con respecto al manga, por lo que esta película recibe algunas críticas de los fanáticos de la original. Pero lo que hace que esta versión de Metrópolis sea única es que toma prestado tanto de la película muda como de su fuente directa. Entonces, ya sea que ingrese como fanático del manga, la película muda (o si no ha experimentado ninguna de las dos), esta película es accesible como una historia original. No se basa en el conocimiento previo para construir su mundo o para eliminar a sus personajes, y no se esfuerza por encajar cada detalle de la historia predeterminada de Tezuka en el marco de una película. Mientras toman temas y personajes de ambas versiones anteriores, Rintaro y Otomo los colocan en un desfile de sus propias ideas originales.

Esta película podría interpretarse más como un homenaje que como una recreación. Metrópolis es, en el mejor de los casos, una adaptación espiritual, y debe verse como única en su tipo.

Metropolis te golpea en los ojos desde el primer cuadro, con cada imagen rebosante de creatividad, complejidad y matices ilimitados. Ya sea en su entorno, efectos especiales o diseño de personajes, cada activo visual es rico en detalles exquisitos y pasión. Las residencias y los negocios de Metrópolis se sienten habitados y trabajados. Los salones de banquetes superiores rezuman prestigio y riqueza, mientras que los mercados inferiores son montones de basura recuperada y carroñeros. Los robots que alimentan muchos de los conflictos principales también varían, dependiendo de dónde se supone que deben operar. Se les trata como herramientas, y aquellos que trabajan con los ricos y poderosos se pulen como a espejos, mientras que los trabajadores de las zonas inferiores están cubiertos de mugre y óxido.

Estos escenarios y diseños de personajes se aumentan a fondo a través de la paleta de colores absolutamente impresionante. El color se utiliza de manera experta para explorar todas las perspectivas. Las escenas ambientadas en el sórdido e incierto bajo mundo de la ciudad están iluminadas con azules y rojos neón, tal como cabría esperar de cualquier ciencia ficción negra, como lo que obtuvimos en Altered Carbon. Por el contrario, la helada secuencia en la que somos testigos de la derrota de los rebeldes de la Zona 1 ocurre dentro de blancos turbios contra grises descoloridos, como si estuviéramos viendo una recreación de la Revolución de Octubre.

Independientemente de dónde o cuándo estemos, la ciudad se siente viva y bulliciosa: el enfoque retrofuturista combina el expresionismo alemán, el art déco, el steampunk y las mezclas de estilo y tema característicos de Tezuka.

Pero aún no hemos hablado de la banda sonora compuesta por Toshiyuki Honda.

Las mezclas de jazz de forma libre, serpenteantes instrumentos de viento y cuerdas, y resonantes tambores y trompas, hacen de esta banda sonora una expresión sónica 1:1 de los motivos generales de la película. Casi todas las secuencias cuentan con el mejor acompañamiento posible. Claro, hay una sección en la que la música de fondo parece estar atrapada en un bucle de cinco segundos y pasa de moda casi de inmediato. Pero solo 90 segundos de música débil en una película de 1 hora y 48 minutos es bastante impresionante. Sin embargo, antes de concluir esta sección, lo que también destaca es el uso del silencio.

Demasiadas películas y programas de televisión modernos, ya sea anime o no, tienen la desagradable costumbre de usar demasiada música para transmitir sus puntos de vista. Si no se permite que el material respire en sus propios términos, eso afecta nuestra capacidad de absorción y empatía. Si la banda sonora siempre te golpea en la cabeza con la emoción que debes sentir, entonces le prestas más atención a ella que a la escena en cuestión. El silencio de Metrópolis es tan nítido como su música. Permite que la actuación de voz y el diseño de sonido luzcan, llevándonos más profundamente a los estados mentales de los personajes.

Se podría continuar con la genialidad de la animación, o cómo los doblajes en japonés e inglés son igualmente sólidos y creíbles. Sin embargo, la película tiene dos problemas principales: las transiciones y el ritmo.

Las tomas de iris, cortes, las inmersiones en negro y los desvanecimientos de transición y corte son una experiencia visual realmente intrigante. Si bien puede verse como un homenaje a la película muda en la que los cineastas se inspiraron, la motivación de cada transición no siempre es clara. Las tomas de iris están destinadas a unir escenas centrándose en un accesorio, personaje o elemento de escenario significativo que entrará en juego en la siguiente escena. En Metrópolis parecen usar lo que sea, siempre que les da la gana. Las transiciones de borrado utilizadas en Star Wars: A New Hope pueden haber sido copiadas de Akira Kurosawa porque George Lucas era un gran fanático, pero aún tenían propósitos motivados, que eran claros y seguían el lenguaje visual ya establecido, haciéndolos sentir naturales.

Si bien estas transiciones en Metrópolis pueden ser molestas, no rompen absolutamente el juego. Eso posiblemente se deba al horrible sentido del ritmo de la película. Metrópolis es simultáneamente demasiado lenta y demasiado rápida. Las primeras escenas apenas duran lo suficiente como para que la información repercuta en sus personajes y para nuestro beneficio. Por otro lado, las secuencias en las que somos testigos de la naturaleza etérea de Tima continúan durante varios minutos sin empujar la trama. Reducir su tiempo de ejecución permitiría que las piezas más pequeñas respiren por más tiempo, con más énfasis en cómo interactúan los personajes y cómo recibimos información.

Pero cuando combinas los muchos fragmentos narrativos que carecen de tiempo suficiente para establecerse adecuadamente y entra en conflicto cómo hacer la transición entre cada fragmento, obtenemos caídas repentinas a negro y fundidos cruzados que desfilan como si fueran estrellas fugaces. Estaremos con nuestros personajes, enfrascados en una escena que va aumentando en tensión, aumentando también nuestro interés por lo que está pasando, justo cuando termina la escena, a veces en medio de una conversación, cuando finalmente conocemos a nuestros personajes más allá de sus arquetipos superficiales.

Es difícil imaginar el motivo justificable de esto más allá de cuestiones presupuestarias, porque como hemos visto, la animación, la música y la dirección de arte están siempre en al punto.

Con cualquier película o producción de animación habrá compromisos, pero cuando estos compromisos entorpecen severamente la historia que estás tratando de contar, termina neutralizando el poder de aquellas partes que sobresalen.

Parecida en cierta forma a Cool World de Ralph Bakshi. Estrenada en 1992, Cool World sería el último largometraje en la carrera de animación de Ralph Bakshi. Más tarde se reveló que la interferencia dominante del estudio en nombre del productor Frank Mancuso Jr. hizo que la producción se descarrilara de manera espectacular y catastrófica (y solo porque Bakshi es un loco incorregible). Entonces, dado que la historia y el programa de producción fueron secuestrados por el estudio, Bakshi se resignó a los elementos sobre los que realmente tenía control. Como resultado, la loca dirección de arte y el estilo de animación se destacan como faros de luz entre el revoltijo incoherente del resto de la película. Pero a pesar de que esos dos elementos de diseño son algunos de los mejores Bakshi que haya producido, no evitó que el resto de la película fuera un vórtice de malas ideas.

Con Metropolis, es como si fuera el inverso de Cool World: la mayoría de sus decisiones de diseño y narrativa son geniales, incluso maravillosos a veces. Pero los aspectos que los creadores no captaron del todo dan como resultado una narrativa frustrantemente truncada, lo que conduce a más errores de tropos de personajes bidimensionales. Si bien es un viaje increíble, lleno de arcos y bucles, no será tan satisfactorio como la comida de plato completo que se comercializa. Si la película fuera de 20 a 30 minutos más larga, para solucionar escenas irregulares y una edición incómoda, entonces probablemente se hablaría de ella hoy como una de las películas que ayudó a atraer al público occidental al mundo del anime. Pero, en última instancia, Metrópolis es un hermoso viaje innovador y emocionante que está a punto de alcanzar todo su potencial.

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